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Il existe moulte variantes pour présenter ses photos : sous-verres, cadres métalliques ou en bois avec ou sans verre et passe-partout, caisses américaines, etc. Celle que je présente ici est connue mais rarement utilisée et nécessite un peu de bricolage.

L'idée de base est de faire flotter l'image pour donner de la profondeur, un peu comme les caisses américaines. Il faut donc commencer par trouver un cadre de type 3D ou framebox, c'est-à-dire un cadre comportant une entretoise qui sépare le verre du fond. Ce sont des cadres épais de plus de 25 mm, ici 30 mm.

Le matériel

• Contre-collage : carton fort bien rigide, au moins 1.4 mm d’épaisseur. Vous pouvez aussi trouver des plaques dibond aux bonnes dimensions, mais c’est plus cher et à moi la peur pour un contre-collage précis. Dans ce cas, il vaut mieux confier cette tâche à votre imprimeur.
• Support : carton plume de 5 mm d’épaisseur (ou plus), sinon une plaque en bois ou en sagex peut faire l’affaire. Cela sert à surélever la photo.
• Fond : papier d’art légèrement texturé de teinte appropriée. Ici, j’ai prix un carton de passe-partout qui a l’avantage d’être assez rigide.
• Un cutter ou mieux un massicot pour les découpes.
• Une règle adaptée aux dimensions du cadre.
• De la colle blanche un peu diluée avec de l’eau et un pinceau pour l’appliquer.
• Une presse. En fait une vielle encyclopédie fait l’affaire, voire votre propre corps si vous pesez plus de 30 kg.
• Un feutre de couleur idoine.

La marche à suivre

1. Il est préférable que le tirage ait des marges perdues d'au moins 1 cm pour faciliter le collage et la coupe.
2. Collage de la photo sur un carton fort et mise sous presse
3. Découpe de la photo. Ici au cutter, mais ce n’est pas très propre, je recommande le massicot.
4. La tranche étant assez moche, il faut la colorer au feutre, ici noir.
5. Découpe du support, 3-4 cm de moins que les dimensions de la photo.
6. Collage de la photo sur le support, plus ou moins centré, mise sous presse.
7. Découpe du fond aux dimensions du cadre.
8. Collage du fond sur le fond du cadre et mise sous presse.  Ce n'est pas forcément nécessaire si le fond est assez rigide.
9. Collage du support sur le fond et mise sous presse. C’est l’étape la plus délicate si l’on veut que ce soit parfaitement centré. Un gabarit en bois peut bien aider.
10. Montage dans le cadre.
11. Admirez (ou recommencez tout).

Pour obtenir un arrière-plan tel que celui-ci, il faut utiliser son matériel dans des conditions particulières afin d'obtenir des ronds lumineux, appelés des flares.

La technique

Le flare est une aberration optique produite par n'importe quel objectif quand des rayons lumineux rentrent frontalement dans l'objectif. Pratiquement, cela se produit à contre-jour avec des points très lumineux dans un environnement sombre. Il faut que ces points soient en dehors de la profondeur de champs. Plus on ouvre le diaphragme, plus les flares sont grands et se superposent, voire se fondent entre eux; plus on ferme, plus les flares sont petits et détachés les uns des autres. La qualité de l'objectif influe sur la forme des flares. Les objectifs bas de gamme ont des diaphragmes avec peu de lamelles et cela donne des flares hexagonaux, alors que les bons produisent des flares ronds. La formule optique joue aussi un rôle, par exemple le vieil objectif Trioplan donne des bulles de savon. 

La pratique

Sur le terrain en macro/proxyphotographie, il faut utiliser la rosée ou un lendemain de pluie par un beau matin ensoleillé. Hors macro, des reflets sur l'eau peuvent produire cet effet. En portrait, une haie servant d'arrière-plan et laissant passer la lumière dans son feuillage peut aussi donner des flares.

Le making of

Les sabots de Vénus photographiés ici se trouvent au bord d'un torrent. Pour obtenir ces flares contenant l'ombre des bruyères environnantes, j'ai joué avec le clair-obscur de la pinède et les reflets du soleil levant sur le torrent. Mais, il a fallu me mouiller...

Surpris par l'événement et absolument pas préparé, j'ai fait un trentaine de photos. Seules 6 photos ont été retenues ici. Elles ont été faites au pif avec un cadrage approximatif et en réglant mon appareil avec des moufles ! J'ai utilisé un trépied posé au raz du sol car il y avait du vent, un grand angle (Irix 15mm f2.4) et une télécommande. J'ai fais varier la sensibilité entre 1'250 et 1'600 ISO avec une ouverture de 2.4 et un temps de pose entre 4 et 8 secondes.

Après coup, je me suis rendu compte qu'il faut plutôt privilégier un temps de pause court du fait des mouvements qui animent les draperies. J'ai aussi complètement oublié d'occulter mon viseur car j'avais une forte dérive de la balance des couleurs vers le magenta. Mais la balance des couleurs était quasiment ingérable car les conditions n'étaient vraiment pas idéales avec un crépuscule d'un côté et un levé de lune à l'opposé. Enfin, j'aurais dû mieux reconnaître le terrain pour trouver un point de vue me permettant de mieux intégrer le paysage.

Les fichiers bruts sont assez mauvais entre le bruit et les différentes dérives colorimétriques. Habitué à n'utiliser que Lightroom qui ne gère que les paramètres globaux d'un cliché, j'ai dû ici utiliser un autre programme pour appliquer un traitement différent sur chaque zone de l'image et essayer ainsi de rééquilibrer le tout, exercice totalement nouveau pour moi.

Criquet

(Savièse, août 2017)

© Jean Savary

Cette image est le résultat de plusieurs soirées à observer les criquets habitant mon jardin. Techniquement, elle a été réalisée sur pied au 105 mm macro, la lentille frontale se trouvant à moins de 10 cm du sujet (1/125s, f8.0, ISO200). Pour obtenir cet éclairage, j'ai utilisé 2 petits flashes équipés de diffuseurs «maison» (des mouchoirs en papier recouvrant les flashes !). L'un est placé dans l'herbe légèrement de côté face à l'objectif, l'autre à l'opposé 1 m à côté de l'appareil. Il y a un écart d'environ 2IL entre les 2 flashes. Leur réglage est équilibré par rapport à la lumière ambiante, l’ombre du soir.

Le plus intéressant qui peut servir à d'autres n'est pas la technique mais la manière d'aborder les criquets. Voici comment j'ai appris à dompter ces petites bêtes:

• Il ne faut surtout pas essayer de les photographier en plein soleil, ils sont trop nerveux. Le soir, ils se calment enfin. Ils sautent un (petit) peu moins.
• Comme tous les animaux, il faut éviter de leur faire de l'ombre et les mouvements brusques.  Il faut mettre en place son matériel tout doucement. pour ne pas les effaroucher.
• L'astuce ultime pour qu'ils prennent la bonne position par rapport à l'objectif consiste à utiliser leur instinct de fuite. Ils tournent toujours le dos à ce qui les effraye. Donc en approchant la main doucement, on arrive à les faire tourner sur leur feuille pour qu'ils se présentent sous leur meilleur profil.

Tout ça pour dire que cette photo est 100% naturelle, pas de manipulation, pas de trucage, pas d'incrustation, et évidemment pas d'insecte réfrigéré comme certains le font. Il y a évidemment un traitement en post-production: un tout petit recadrage, un bout d'herbe disgracieux masqué et un léger rééquilibrage de la courbe des tonalités sans pour autant altérer la balance des couleurs.

Le rendu d’une image a toujours été une partie délicate et primordiale du travail du photographe et les moyens actuels n’ont pas simplifié cette étape. J’essaie de développer mes photos en respectant autant que possible un bon étalonnage colorimétrique, c’est-à-dire avec une chaîne de production de l’appareil à l’imprimante en passant par l’ordinateur qui ne change pas les couleurs à chaque étape. Quand je dis autant que possible, cela veut dire que c’est à l’échelle de l’amateur qui ne veut pas trop investir et qui a des connaissances techniques très limitées en la matière.

Ainsi, pour retoucher mes photographies, je travaille avec un écran Eizo ColorEdge CS240 destiné à la photographie, qui sans être le top offre de bons résultats.

Tout ça pour dire que ce que vous voyez est souvent très différent de ce que je vois (vous, je ne sais pas, mais moi je ne suis pas daltonien !). Blague à part, il faut savoir que les écrans standards sont souvent mal réglés, trop lumineux, trop contrastés, trop saturés, sans nuances et très flatteurs, en particulier les smartphones et ceux qui sont dédiés au multimédia. Mais les fabricants vendent ces «corrections» comme des «améliorations». Donc mes couleurs et mes nuances ne sont pas les vôtres. Les forts contrastes ou les teintes dominantes ne sont généralement pas de mon fait, à moins que j’aie délibérément pris le parti de virer une photo pour des raisons vaguement ou prétentieusement artistiques.

J’adore le noir & blanc, mais paradoxalement, il souffre encore plus que la couleur de la médiocrité d’un affichage : image trop froide, trop dure et peu de nuances dans les gris.

Qu'il est loin le temps où on s'installait dans sa salle de bain avec plein de matériels et de produits et que ça sentait le vinaigre.

Maintenant, il ya pléthore de logiciels plus ou moins bons, plus ou moins complets, plus ou moins chers. Quant à moi j'ai retenu les suivants, mais sans un Photoshop ou autre logiciel de retouche, car je n'aime pas manipuler mes photos, je me contente de les développer.

• Adobe Lightroom est une usine à gaz, lourde, lente (parfois très lente malgré un ordinateur puissant), chère, difficile à prendre en main, mais une fois que c'est fait on ne peut plus s'en passer. Il permet de cataloguer intelligemment ses photos, mais ça prend du temps. Elles peuvent être géoréférencées sur une carte, développées, présentées en diaporamas, imprimées, sans parler d'autres possibilités. C'est redoutablement efficace. Un conseil, achetez la version locale, quasi impossible à trouver sur le site Adobe, et non la version Creative Cloud qui coûte beaucoup trop cher et qui n'apporte rien de plus, hormis des mises à jour plus fréquentes. En clair, je suis fâché par la politique marketing d'Adobe, mais leurs produits sont bons.
• DxO OpticsPro permet de soigner son développement et de traiter par lot ses photos. Mais je l'utilise très peu.
• Kolor Autopano Giga permet de construire des panoramas. Mais il en existe d'autres qui sont excellents aussi (PTGui), voire des gratuits comme Image Composite Editor.
• FastPictureViewer Pro, une simple visionneuse redoutablement efficace et rapide, bien meilleure que les visonneuses natives des systèmes d'exploitation. En plus,  elle lit les formats propriétaire des grands constructeurs d'appareils photos.

Suite à de nombreuses questions sur mon matériel, voici quelques infos.

Pour commencer, le matériel n'a aucune importance tant qu'on ne veut pas faire des prouesses techniques, ni imprimer, ni regarder ses photos sur un écran 4K. Actuellement, les téléphones que l'on a toujours sous la main font d'excellentes images, parfois sublimes. Il n'y a qu'à faire un tour sur les réseaux sociaux pour s'en convaincre (quoiqu'il y a un fort abus de filtres prédéfinis).

Quant à moi, ayant gardé de vieilles habitudes du temps des réflex argentiques, je privilégie le format 24×36 et les focales fixes pour les raisons suivantes:

• Un boitier à objectifs interchangeables offre un large choix d'objectifs et d'accessoires.
• Un réflex facilite un cadrage serré.
• Le format 24×36 permet de jouer avec la profondeur de champ beaucoup plus facilement qu'un plus petit format. Evidemment, un plus grand format est encore meilleur, mais à quel prix !
• Les objectifs fixes sont généralement bien meilleurs que les zooms, quoique l'écart se comble actuellement, sauf dans les grandes ouvertures.

Malgré ce qui précède, je fais aussi des photos avec un compact ou mon téléphone et j'utilise souvent deux zooms.

Les revers de ce choix sont le prix, le poids et l'encombrement. 

Le matériel que j'utilise actuellement est le suivant:

En fait, non !

Je ne vais pas faire un inventaire exhaustif qui n'a aucun intérêt, surtout que chaque photographe est persuadé d'avoir fait le meilleur choix, chaque fois différent. En résumé, je me fais plaisir avec des Nikon (après être passé par Rollei et Canon, il y a longtemps, très...), mais je ne privilégie pas les objectifs de la marque et préfère souvent les produits d'opticiens indépendants (Sigma, Tamron) qui sont tout aussi bons, voire parfois meilleurs, et nettement moins chers. De fait, je les choisis en regardant les tests de DxOMark, la meilleures référence en la matière.

Ayant pu m'offrir petit à petit un matériel de plus en plus nombreux, je n'emporte évidemment que le matériel nécessaire sinon il me faudrait une mule. En voyage et en montagne, je me contente généralement de deux zooms 24-70 mm et 70-200 mm. Après avoir essayé de nombreux fourre-touts, les sacs Flipside de Lowepro sont de loin les meilleurs lorsqu'on doit trimballer longtemps son matériel dans la nature, mais aussi en ville.

J'utilise le trépied Velbon VS 443D très particulier avec son bras multidirectionnel. Il n'est pas adapaté à tout, mais est remarquable en macrophotographie car il permet de descendre au raz des pâquerettes.

Quant à la macrophotographie, je joue avec des bagues allonge et surtout un vieux 105 mm macro qui a l'avantage de ne pas coller au sujet pour pouvoir utiliser la lumière naturelle et ne pas trop effaroucher les insectes et autres papillons. Même si je privilégie la lumère naturelle, j'utilise parfois le kit flash R1 de Nikon, soit sur bague, soit disposé dans l'herbe.

Mais ce que je préfère est un bricolage «maison» qui permet de bien maîtriser la lumière: un carton recouvert de papier d'aluminum sur un pied articulé.